Κριτική Ζωγραφικής «Τα Πρόσωπα των αντιθέσεων» Της Μαρίας Κολοβού Ρουμελιώτη, Ακρυλικό σε καμβά, 50 x 60 εκ., Συγγραφέας: Rizal Tanjung

 

«Τα Πρόσωπα των αντιθέσεων» Της Μαρίας Κολοβού Ρουμελιώτη, Ακρυλικό σε καμβά, 50 x 60 εκ.

Κριτική Ζωγραφικής «Τα Πρόσωπα των αντιθέσεων» Της Μαρίας Κολοβού Ρουμελιώτη, Ακρυλικό σε καμβά, 50 x 60 εκ., Συγγραφέας: Rizal Tanjung

 

Στο έργο «Τα Πρόσωπα των αντιθέσεων » της Μαρίας Κολοβού Ρουμελιώτη, καλούμαστε να διαβούμε το μακρύ μονοπάτι της ιστορίας της τέχνης—από τους διαχρονικούς πυλώνες της κλασικής Ελλάδας, που στέκονται ως αιώνιοι μάρτυρες της φιλοσοφίας, μέχρι τα στροβιλιζόμενα ρεύματα της μοντέρνας και αφηρημένης τέχνης που τώρα πάλλονται στην καρδιά της παγκόσμιας αισθητικής.

Ο πίνακας απεικονίζει δύο πρόσωπα στραμμένα το ένα μακριά από το άλλο: το ένα κοιτάζει αριστερά με ένα αχνό χαμόγελο, το άλλο κοιτάζει δεξιά με αιχμηρές γραμμές τεταμένες από τη βαρύτητα. Αυτά δεν είναι απλά πορτρέτα. είναι εμβλήματα διαλεκτικής: θέση και αντίθεση, Απόλλωνας και Διόνυσος, λογική και πάθος, φως και σκοτάδι. Ενσαρκώνουν την ανθρώπινη δυαδικότητα που, από την εποχή του Σωκράτη και του Πλάτωνα, παρέμεινε στον πυρήνα του ελληνικού φιλοσοφικού στοχασμού—ότι η ψυχή είναι για πάντα διχασμένη ανάμεσα στη λογική και την επιθυμία.

Η ίδια η ιστορία της τέχνης φαίνεται να αντικατοπτρίζεται εδώ. Από τον ελληνικό κλασικισμό, που εξύμνησε την αρμονία της ανθρώπινης μορφής, προέκυψε η παράδοση ότι το πρόσωπο είναι ο καθρέφτης της ψυχής. Η Αναγέννηση αναβίωσε αυτήν την αρχή στο μεγαλείο του ρεαλισμού. Ωστόσο, με τον εορτασμό της ελευθερίας από τη νεωτερικότητα, το πρόσωπο δεν χρειαζόταν πλέον να είναι ολόκληρο - μπορούσε να σπάσει, να παραμορφωθεί ή ακόμα και να λιώσει, όπως φαίνεται στα έργα του Πικάσο και των Κυβιστών. Από εκεί, ξεδιπλώθηκε το μονοπάτι προς την αφαίρεση, όπου το χρώμα, η υφή και η φαντασία έγιναν η νέα γλώσσα.

 Η Μαρία Κολοβού Ρουμελιώτη, η οποία είναι επίσης ποιήτρια, βαδίζει αυτό το μονοπάτι με τον δικό της τρόπο. Δανείζεται το πνεύμα του ελληνικού κλασικισμού - την αίσθηση ισορροπίας, την τραγωδία, την αιώνια πάλη μεταξύ ήθους και πάθους - και το μεταφράζει στη ρευστή γλώσσα των σύγχρονων ακρυλικών, γεμάτη αφηρημένες υφές και ζωντανές αποχρώσεις. Τα μαλλιά ξεπηδούν σε οργανικές μορφές, όπως η λάβα και η βρύα, προκαλώντας μια κοσμική επίγνωση: η ανθρωπότητα δεν είναι μόνο ένα πρόσωπο αλλά και ένα σύμπαν - που εκρήγνυται και αποσυντίθεται, μεγαλώνει και χάνεται.

Στο πλαίσιο των σημερινών καλλιτεχνικών ρευμάτων, αυτό το έργο αντηχεί με την μεταφορική αφαίρεση, ένα κίνημα που συνυφαίνει την ανθρώπινη μορφή με την εκρηκτική ελευθερία του αφηρημένου εξπρεσιονισμού. Η καλλιτέχνιδα δεν δεσμεύεται πλέον από την οπτική πραγματικότητα, αλλά αναδιαμορφώνει την ανθρώπινη εικόνα ως μια βαθύτερη οπτική μεταφορά. Το πρόσωπο παύει να είναι ένας απλός δείκτης ταυτότητας. γίνεται ένα εσωτερικό τοπίο, ένας ωκεανός σύγκρουσης, ένα αρχαϊκό δάσος όπου αρχαία πνεύματα εξακολουθούν να ψιθυρίζουν.

Ο πίνακας αντηχεί επίσης τον Σουρεαλισμό, όπου ο ονειρικός κόσμος συγκρούεται με την ξύπνια πραγματικότητα. Οι ρέουσες υφές του χρώματος - σαν μάγμα ή κοσμική βρύα - ανοίγουν πύλες προς το ασυνείδητο, σαν ο Φρόιντ να συναντά τον Ορφέα στο σταυροδρόμι των ονείρων.

Από την οπτική γωνία της αρχαίας ελληνικής φιλοσοφίας, «Τα Αντίθετα Πρόσωπα» μπορούν να ερμηνευθούν ως μια αλληγορία της αγωνίας - της πάλης στην καρδιά της ύπαρξης. Όπως στις τραγωδίες του Σοφοκλή, η ανθρωπότητα βρίσκεται πάντα παγιδευμένη σε ένα πεδίο έντασης: ανάμεσα στη μοίρα και την ελευθερία, ανάμεσα στο θεϊκό φως και τις σκιές του Άδη. Τα δύο πρόσωπα που είναι στραμμένα σε αντίθετες κατευθύνσεις μας υπενθυμίζουν ότι ο άνθρωπος δεν είναι ποτέ εντελώς ένας. μέσα του κατοικεί πάντα ένας αντίπαλος.

Έτσι, η ζωγραφική του Ρουμελιώτη γίνεται μια γέφυρα: από το κλασικό στο μοντέρνο, από τον ρεαλισμό στην αφαίρεση, από την αρχαία φιλοσοφία στη σύγχρονη συνείδηση. Ψιθυρίζει ότι η τέχνη δεν αφορά μόνο την ομορφιά, αλλά και το θάρρος να αντιμετωπίσουμε το αντίθετο πρόσωπο - είτε βρίσκεται έξω από εμάς είτε μέσα στις ψυχές μας.

Με αυτόν τον τρόπο, το «Τα Αντίθετα Πρόσωπα» δεν στέκεται απλώς ως πίνακας, αλλά ως ένα θραύσμα οπτικής ποίησης, όπου το χρώμα γίνεται στίχος, η υφή γίνεται ρυθμός και το ίδιο το ανθρώπινο πρόσωπο γίνεται μεταφορά για την αιώνια συνθήκη της ύπαρξης.

II

Στο «Wajah Lawan», η Μαρία Κολοβός Ρουμελιώτη υφαίνει έναν διάλογο ανάμεσα στις ρίζες του ελληνικού κλασικισμού και τον παλμό της μοντέρνας και σύγχρονης τέχνης. Το πρόσωπο, χωρισμένο σε αποκλίνοντα βλέμματα, γίνεται σύμβολο της ανθρώπινης κατάστασης - για πάντα παγιδευμένο στη διαλεκτική: φως και σκοτάδι, σώμα και ψυχή, λογική και επιθυμία.

Τοποθετημένο στη χαρτογραφία της ιστορίας της τέχνης, αυτό το έργο βρίσκεται σε ένα σταυροδρόμι.

Με τον Πικάσο, αναγνωρίζει κανείς τη συγγένεια στο πώς το ανθρώπινο πρόσωπο δεν αποδίδεται πλέον ως ρεαλιστικό πορτρέτο, αλλά διασπασμένο, περιστρεφόμενο και αντιπαραβαλλόμενο σε έναν ενιαίο καμβά. Ωστόσο, σε αντίθεση με τις αιχμηρές, γεωμετρικές αναταραχές του Πικάσο, το όραμα της Μαρίας είναι ρευστό, διαλύοντας τη μορφή σε οργανικές υφές που φαίνονται ζωντανές - σαν τα ρεύματα του μάγματος ή τους μικροσκοπικούς οργανισμούς σε κίνηση.

Με τον Καντίνσκι, συναντάμε τον συντονισμό του χρώματος ως την αληθινή γλώσσα του εσωτερικού εαυτού. Ο Καντίνσκι πίστευε ότι το χρώμα είναι η δόνηση της ψυχής. Στο έργο της Μαρίας, τα χρώματα δεν είναι απλώς επιφάνειες. πάλλονται ως ζωντανή ύλη - μαλλιά, σάρκα και σκέψη που λαμπυρίζουν με κοσμική ενέργεια.

Με τον Φράνσις Μπέικον, υπάρχει μια παραλληλία στην ψυχολογική ένταση. Ο Μπέικον ζωγράφισε πρόσωπα στριμμένα, ουρλιάζοντας, παρασυρμένα από το εσωτερικό χάος. Ομοίως, τα διπλά πρόσωπα της Μαρίας, αν και όχι γκροτέσκα, ενσαρκώνουν αέναη σύγκρουση - μια αέναη αντίθεση, που αντηχεί τη δομή μιας «ελληνικής τραγωδίας» που εκφράζεται μέσω της σύγχρονης μορφής.

Με τη σύγχρονη αφαίρεση, ειδικά στην τάση μεταφορικής-αφηρημένης, η Μαρία καταδεικνύει πώς η ανθρώπινη μορφή μπορεί να παραμείνει κεντρική ενώ περιβάλλεται από εκρήξεις απροσδόκητων χρωμάτων και μορφών. Το έργο της εισέρχεται σε σιωπηλό διάλογο με παγκόσμιους συγχρόνους της - από τον Γκέρχαρντ Ρίχτερ μέχρι τη Σέσιλι Μπράουν - γεφυρώνοντας την μεταφορική και την αφαίρεση με έναν μοναδικά λυρικό τρόπο.

Αυτό που καθιστά τη ζωγραφική της Μαρίας μοναδική είναι η υπόγεια παρουσία της αρχαίας ελληνικής φιλοσοφίας. Στην κλασική αισθητική, το πρόσωπο ενσάρκωσε την αρμονία (καλοκαγαθία - την ενότητα της ομορφιάς και της αρετής). Ωστόσο, εδώ, το πρόσωπο είναι διαιρεμένο, ασταθές, σε αέναη διαμάχη. Η Μαρία φαίνεται να ψιθυρίζει: η σύγχρονη ανθρωπότητα δεν είναι πλέον ολόκληρη. είναι διασπασμένη από την εποχή της, διχασμένη ανάμεσα στη σκέψη και το ένστικτο, ανάμεσα στους αρχαίους μύθους και τις παρούσες πραγματικότητες.

Έτσι, το «Wajah Lawan» είναι κάτι περισσότερο από ένας πίνακας ζωγραφικής - είναι ένα πεδίο οπτικής φιλοσοφίας. Κληρονομεί το πνεύμα του κλασικού, απορροφά την ενέργεια του μοντέρνου και γεννά ένα νέο πρόσωπο της σύγχρονης τέχνης - κινούμενο στο μονοπάτι της αφηρημένης ποίησης, μιας ποίησης που δεν είναι γραμμένη με λέξεις αλλά χαραγμένη σε χρώματα και μορφές.

III

ΤΑ ΠΡΟΣΩΠΑ ΤΩΝ ΑΝΤΙΘΕΣΕΩΝ:

 Από τους Ελληνικούς Πυλώνες στη Σύγχρονη Αφαίρεση

Δύο Πρόσωπα στο Σταυροδρόμι του Χρόνου. Δύο πρόσωπα - το ένα στράμένο αριστερά με ένα αχνό χαμόγελο, το άλλο δεξιά με μια άκαμπτη σταθερότητα. Δύο κατευθύνσεις, δύο εκφράσεις, δύο ψυχές - όμως δεμένες σε ένα σώμα χρωμάτων που εκρήγνυνται, στρίβουν και διαλύονται.

Εδώ βλέπουμε ότι η ζωγραφική δεν είναι ποτέ απλή εικόνα. Είναι στοχασμός. Είναι φιλοσοφία που ξαναγεννιέται σε οπτική μορφή. Αν ο Πλάτωνας κάποτε ονόμασε την τέχνη σκιά της Ιδέας, τότε η Μαρία Κολοβού Ρουμελιώτη αφήνει αυτή τη σκιά να ζει, να κινείται, να συζητά και να παλεύει πάνω στην επιπεδότητα του καμβά.

Η Ελληνική Κληρονομιά: Αρμονία του Σώματος, Τραγωδία της Ψυχής

Η ιστορία της τέχνης δεν μπορεί να ξεφύγει από την αρχαία Ελλάδα - τη γενέτειρα της φιλοσοφίας και των μαρμάρινων αγαλμάτων που παραμένουν σύμβολα της παγκόσμιας ομορφιάς. Εκεί, το ανθρώπινο πρόσωπο σκαλιζόταν σύμφωνα με την αρχή της καλοκαγαθίας: την ενότητα του καλού (του ωραίου) και του αγαθού (του καλού). Η ανθρώπινη μορφή ήταν ένας μικρόκοσμος, το πρόσωπο ένας καθρέφτης της ψυχής.

Ωστόσο, η Ελλάδα γέννησε και την τραγωδία. 

Στις Διονυσιακές σκηνές, οι ηθοποιοί φορούσαν μάσκες με διπλά πρόσωπα: το ένα γελούσε, το άλλο έκλαιγε. Δεν είναι το Αντίθετο Πρόσωπο της Μαρίας η μετενσάρκωση αυτής της τραγικής μάσκας; Δύο εκφράσεις, ένα σώμα, ένα στάδιο ύπαρξης. 

Αναγέννηση: Η Αναγέννηση του Ρεαλισμού και της Ζωής 

Η Αναγέννηση έφερε την τέχνη πίσω στο ζωντανό σώμα. Λεονάρντο, Μιχαήλ Άγγελος, Ραφαήλ - πρόσωπα που ακτινοβολούσαν από φως, η ανατομία αποδόθηκε με θεϊκή ακρίβεια. Το ανθρώπινο πρόσωπο έγινε το ίδιο το μεγαλείο, μια ανάσταση από τη μεσαιωνική σκιά.

Αλλά σε σύγκριση με τη Μαρία, τα πρόσωπα της Αναγέννησης είναι πολύ ολόκληρα, πολύ αρμονικά. Το Αντίθετο Πρόσωπο αποκαλύπτει μια διαφορετική αλήθεια: το κατακερματισμένο, το συγκρουόμενο. Υποδηλώνει ότι η σύγχρονη ανθρωπότητα δεν κατοικεί πλέον σε μοναδική αρμονία, αλλά σε πολλαπλότητες - συχνά ασυμβίβαστες, συχνά συγκρουόμενες.

Μοντερνισμός: Από τον Κυβισμό στον Εξπρεσιονισμό

Στη συνέχεια ήρθε η σύγχρονη στροφή: το πρόσωπο θρυμματίστηκε. Ο Πικάσο το έσπασε σε κύβους, γεωμετρίες αντίληψης. Ο Φράνσις Μπέικον πήγε παραπέρα - το πρόσωπο έγινε μια κραυγή, το σώμα μια παραμόρφωση, η ίδια η ύπαρξη ένας τρόμος ανησυχίας.

Εδώ το Αντίθετο Πρόσωπο της Μαρίας βρίσκει τη συγγένειά του. Τα πρόσωπά της δεν είναι πορτρέτα αλλά τοπία εσωτερικής ρήξης. Δεν είναι ομοιότητες, αλλά γεωμετρίες σύγκρουσης, εκρήξεις έκφρασης.

Αφαίρεση και το Σύγχρονο: Το Χρώμα ως Ψυχή

Οι αφηρημένοι εξπρεσιονιστές - Καντίνσκι, Πόλοκ - απελευθέρωσαν την τέχνη από τη μορφή. Για τον Καντίνσκι, το χρώμα ήταν η μουσική της ψυχής. Για τον Πόλοκ, το στάζον χρώμα ήταν ο χορός της ελευθερίας.

Η Μαρία περπατά αυτό το μονοπάτι, αλλά ποτέ δεν εγκαταλείπει εντελώς το ανθρώπινο. Επιλέγει μια μεταφορική αφαίρεση: το σώμα διαλύεται σε λιωμένες χρωστικές ουσίες. Τα μαλλιά γίνονται κοσμικά βρύα, τα μάγουλα συγχωνεύονται με τη ροή του μάγματος, ο λαιμός διαχέεται στην ομίχλη. Το πρόσωπο και το χρώμα συγχωνεύονται, σαν ο ελληνικός λόγος να έχει παραδοθεί στο χάος.

Στον Διάλογο με τους Δασκάλους

Ο Πικάσο έσπασε το πρόσωπο σε κύβους και αιχμηρές γωνίες. Η Μαρία το αφήνει να διαλυθεί σε οργανικά ρεύματα.

Ο Καντίνσκι άκουσε τα χρώματα ως τον ήχο της ψυχής. Η Μαρία αφήνει τα χρώματα να αιμορραγούν ως ανθρώπινη σάρκα και αίμα.

Ο Φράνσις Μπέικον παραμόρφωσε το πρόσωπο σε μια κραυγή ύπαρξης. Η Μαρία ψιθυρίζει μια πιο ανεπαίσθητη τραγωδία - σύγκρουση μουρμουρισμένη, όχι φωναγμένη.

Η Σέσιλι Μπράουν και ο Γκέρχαρντ Ρίχτερ θόλωναν την αφαίρεση με την παραστατικότητα. Η Μαρία κινείται σε παρόμοια νερά, ωστόσο οι ρίζες της στην ελληνική αρχαιότητα καθιστούν τη φωνή της ξεχωριστή. 

Η Φιλοσοφία του Προσώπου: Αγωνία και Δυαδικότητα

Στην ελληνική σκέψη, η αγωνία είναι η αναπόφευκτη πάλη. Η ζωή είναι μια αρένα, ο άνθρωπος ένας μαχητής, και η ψυχή αντιμετωπίζει για πάντα τον αντίπαλό της.

Το Αντίθετο Πρόσωπο είναι μια  οπτική αγωνία.

Δύο πρόσωπα που στρέφονται αλλού ενσαρκώνουν την ίδια τη δυαδικότητα.

Το ένα πρόσωπο κατέχει γαλήνη, το άλλο μια σιωπηλή οργή.

Το ένα στρέφεται στο παρελθόν, το άλλο σαρώνει το μέλλον.

Ωστόσο, και τα δύο παραμένουν ένα σώμα - ένας άνθρωπος, χωρισμένος από το παράδοξο της ύπαρξης. 

Ένα Οπτικό Ποίημα από τη Χώρα των Φιλοσόφων

Η Μαρία Κολοβού Ρουμελιώτη δεν είναι απλώς μια ζωγράφος. Είναι επίσης μια ποιήτρια. Δεν είναι περίεργο που οι πίνακές της μιλούν σαν στίχοι, ρέουν σαν τραγωδίες και αντηχούν τις σιωπηλές κραυγές ενός Σοφοκλή χορού.

Το Αντίθετο Πρόσωπο είναι ένα οπτικό ποίημα που διασχίζει τους αιώνες: Χαιρετά την κλασική Ελλάδα με αρμονία και τραγωδία.

Χαιρετά την Αναγέννηση με την προσοχή της στο πρόσωπο.

Χαιρετά τον μοντερνισμό με τη διασπασμένη φιγούρα του.

Υποδέχεται το σύγχρονο με την αφαίρεση του χρώματος.

Πέρα όμως από την ιστορία της τέχνης, μας υπενθυμίζει ότι ο άνθρωπος είναι ένα πλάσμα με δύο πρόσωπα, δύο φωνές, δύο αντιπάλους—και η τέχνη είναι το αιώνιο στάδιο όπου αντιμετωπίζονται ατελείωτα. 

Τετάρτη, 10 Σεπτεμβρίου 2025

Δυτική Σουμάτρα, Ινδονησία, 2025.

Rizal Tanjung

 

 

Painting Review «The Opposing Faces» By Maria Kolovos Rumelioti, Acrylic on canvas, 50 x 60 cm , By: Rizal Tanjung

 

In Maria Kolovou Rumelioti’s “The Opposing Faces”, we are invited to walk the long path of art history—from the enduring pillars of classical Greece, standing as eternal witnesses to philosophy, to the whirling currents of modern and abstract art that now pulse at the heart of global aesthetics.

The painting depicts two faces turned away from one another: one glancing leftward with a faint smile, the other gazing rightward with sharp lines tense with gravity. These are not mere portraits; they are emblems of dialectic: thesis and antithesis, Apollo and Dionysus, logic and passion, light and darkness. They embody the human duality that, since the days of Socrates and Plato, has remained at the core of Greek philosophical reflection—that the soul is forever torn between reason and desire.

Art history itself seems mirrored here. From Greek classicism, which exalted the harmony of the human form, arose the tradition that the face is the mirror of the soul. The Renaissance revived this principle in the grandeur of realism. Yet with modernity’s celebration of freedom, the face no longer needed to be whole—it could fracture, distort, or even melt, as seen in the works of Picasso and the Cubists. From there, the path to abstraction unfolded, where color, texture, and imagination became the new language.

Maria Kolovos Rumelioti, who is also a poet, treads that path in her own way. She borrows the spirit of Greek classicism—its sense of balance, its tragedy, its eternal struggle between ethos and pathos—and translates it into the fluid language of modern acrylics, bursting with abstract textures and vibrant hues. Hair erupts in organic forms, like lava and moss, evoking a cosmic awareness: humanity is not only a face but also a universe—erupting and decaying, growing and perishing.

In the context of today’s artistic currents, this work resonates with figurative abstraction, a movement that intertwines the human form with the explosive freedom of abstract expressionism. The artist is no longer bound by visual reality, but reshapes the human image as a deeper visual metaphor. The face ceases to be a mere marker of identity; it becomes an inner landscape, an ocean of conflict, an archaic forest where ancient spirits still whisper.

The painting also echoes Surrealism, where the dream world collides with waking reality. The flowing textures of color—like magma or cosmic moss—open portals to the unconscious, as if Freud were meeting Orpheus at the crossroads of dreams.

From the vantage of ancient Greek philosophy, “The Opposing Faces” may be read as an allegory of agon—the struggle at the heart of existence. As in the tragedies of Sophocles, humankind is always caught in a field of tension: between fate and freedom, between divine light and the shadows of Hades. The two faces turned in opposite directions remind us that man is never wholly one; within him always dwells an opponent.

Thus, Rumelioti’s painting becomes a bridge: from the classical to the modern, from realism to abstraction, from ancient philosophy to contemporary consciousness. It whispers that art is not merely about beauty, but about the courage to confront the opposing face—whether it lies outside us or within our own souls.

In this way, “The Opposing Faces” does not simply stand as a painting, but as a fragment of visual poetry, where color becomes verse, texture becomes rhythm, and the human face itself becomes a metaphor for the eternal condition of existence.

II

In “Wajah Lawan”, Maria Kolovos Rumelioti weaves a dialogue between the roots of Greek classicism and the pulse of modern and contemporary art. The face, split into divergent gazes, becomes a symbol of the human condition—forever caught in dialectics: light and darkness, body and soul, reason and desire.

Placed within the cartography of art history, this work stands at a crossroad.

With Picasso, one recognizes the kinship in how the human face is no longer rendered as a realistic portrait but fractured, rotated, and confronted upon a single canvas. Yet unlike Picasso’s sharp, geometric disruptions, Maria’s vision is fluid, dissolving the figure into organic textures that seem alive—like the currents of magma or microscopic organisms in motion.

With Kandinsky, we encounter the resonance of color as the true language of the inner self. Kandinsky believed color to be the vibration of the soul. In Maria’s work, colors are not merely surfaces; they pulsate as living matter—hair, flesh, and thought shimmering with cosmic energy.

With Francis Bacon, there is a parallel in psychological tension. Bacon painted faces twisted, screaming, dragged by inner chaos. Likewise, Maria’s dual visages, though not grotesque, embody perpetual conflict—an eternal opposition, echoing the structure of a “Greek tragedy” expressed through modern form.

With contemporary abstraction, especially in the figurative-abstract tendency, Maria demonstrates how the human figure can remain central while enveloped in bursts of unexpected colors and forms. Her work enters into silent dialogue with global contemporaries—from Gerhard Richter to Cecily Brown—bridging figuration and abstraction in a uniquely lyrical mode.

What renders Maria’s painting singular is the subterranean presence of ancient Greek philosophy. In classical aesthetics, the face embodied harmony (kalokagathia—the unity of beauty and virtue). Yet here, the face is cleaved, unsettled, in perpetual contention. Maria seems to whisper: modern humanity is no longer whole; it is fractured by its age, torn between thought and instinct, between ancient myths and present realities.

Thus, “Wajah Lawan” is more than a painting—it is a field of visual philosophy. It inherits the spirit of the classical, absorbs the energy of the modern, and gives birth to a new face of contemporary art—moving along the path of abstract poetry, a poetry not written in words but inscribed in colors and forms.

III

THE OPPOSING FACE: From Greek Pillars to Contemporary Abstraction

Two Faces at the Crossroads of Time

Two faces—one turned left with a faint smile, the other to the right with a rigid firmness. Two directions, two expressions, two souls—yet bound in one body of colors that burst, twist, and dissolve.

Here we see that painting is never mere image; it is meditation. It is philosophy reborn in visual form. If Plato once called art a shadow of the Idea, then Maria Kolovos Rumelioti lets that shadow live, move, debate, and wrestle upon the flatness of canvas.

The Greek Legacy: Harmony of the Body, Tragedy of the Soul

Art history cannot escape ancient Greece—the birthplace of philosophy and of marble statues that remain emblems of universal beauty. There, the human face was carved under the principle of kalokagathia: the unity of kalos (the beautiful) and agathos (the good). The human form was a microcosm, the face a mirror of the soul.

Yet Greece also birthed tragedy. On Dionysian stages, actors wore masks of dual faces: one laughing, one weeping. Is not Maria’s Opposing Face the reincarnation of that tragic mask? Two expressions, one body, one stage of existence.

Renaissance: The Rebirth of Realism and Life

The Renaissance brought art back to the living body. Leonardo, Michelangelo, Raphael—faces radiant with light, anatomy rendered in divine precision. The human face became grandeur itself, a resurrection from medieval shadow.

But compared to Maria, Renaissance faces are too whole, too harmonious. Opposing Face reveals a different truth: the fragmented, the conflicted. It suggests that modern humanity no longer dwells in singular harmony, but in pluralities—often irreconcilable, often colliding.

Modernism: From Cubism to Expressionism

Then came the modern turn: the face shattered. Picasso fractured it into cubes, geometries of perception. Francis Bacon went further—the face became a scream, the body a distortion, existence itself a tremor of unease.

Here Maria’s Opposing Face finds its kinship. Her faces are not portraits but landscapes of inner rupture. They are not likenesses, but geometries of conflict, eruptions of expression.

Abstraction and the Contemporary: Color as Soul

Abstract expressionists—Kandinsky, Pollock—freed art from the figure. For Kandinsky, color was music of the soul; for Pollock, dripping paint was freedom’s dance.

Maria walks this path, but never abandons the human entirely. She chooses a figurative-abstraction: the body dissolves into molten pigments. Hair becomes cosmic moss, cheeks merge with magma’s flow, the neck diffuses into haze. Face and color fuse, as if the Greek logos has surrendered to chaos.

In Dialogue with the Masters

Picasso fractured the face into cubes and sharp angles; Maria lets it dissolve into organic currents.

Kandinsky heard colors as the sound of the soul; Maria lets colors bleed as human flesh and blood.

Francis Bacon distorted the face into a scream of existence; Maria whispers a subtler tragedy—conflict murmured, not shouted.

Cecily Brown and Gerhard Richter blurred abstraction with figuration; Maria moves in similar waters, yet her roots in Greek antiquity render her voice distinct.

The Philosophy of the Face: Agon and Duality

In Greek thought, agon is the inevitable struggle. Life is an arena, man a fighter, and the soul forever faces its adversary.

Opposing Face is a visual agon. Two faces turning away embody duality itself. One face holds serenity, the other a muted rage. One turns to the past, the other scans the future. Yet both remain one body—one human, split by the paradox of existence.

A Visual Poem from the Land of Philosophers

Maria Kolovos Rumelioti is not merely a painter; she is also a poet. No wonder her paintings speak like verses, flow like tragedies, and echo the hushed cries of a Sophoclean chorus.

Opposing Face is a visual poem crossing the ages:

It greets classical Greece with harmony and tragedy.

It greets the Renaissance with its attention to visage.

It greets modernism with its fractured figure.

It greets the contemporary with its abstraction of color.

Yet beyond art history, it reminds us that the human being is a creature of two faces, two voices, two rivals—and art is the eternal stage where they confront each other without end.

West Sumatra, Indonesia, 2025.

 

Wednesday, September 10, 2025

 

Ο Rizal Tanjung είναι καλλιτέχνης και πολιτιστική προσωπικότητα που γεννήθηκε στην Παντάνγκ στις 5 Φεβρουαρίου 1959 και έχει αφιερώσει τη ζωή του στις τέχνες από το 1975. Συνέχισε τις σπουδές του στην Ινδονησιακή Σχολή Καλών Τεχνών (SSRI) στην Παντάνγκ και συνέχισε το καλλιτεχνικό του ταξίδι ιδρύοντας το Teater Moeka το 1979, το οποίο αργότερα μετατράπηκε σε Old Track Teater το 2004. Ως κεντρική προσωπικότητα στην ανάπτυξη των τεχνών στη Δυτική Σουμάτρα, έχει σκηνοθετήσει 63 θεατρικές παραγωγές σε διάφορες περιοχές της Ινδονησίας. Εκτός από το έργο του στο θέατρο, είναι ενεργός συγγραφέας, του οποίου τα έργα έχουν δημοσιευτεί τόσο σε τοπικά όσο και σε εθνικά έντυπα μέσα. Τα γραπτά του εκτείνονται σε θεατρικά έργα, διηγήματα, σειριοποιημένες ιστορίες, ποίηση, πολιτιστικά άρθρα και άρθρα για την ανάπτυξη παραδοσιακών, μοντέρνων και σύγχρονων τεχνών. Μεταξύ των αξιοσημείωτων έργων του είναι τα Sandiwara Sandiwara, Minus I, Melody, Kaco Batuang, Harimau Agam di Negeri Cina, The Maninjau Lake Origins Trilogy και Ruang Hampa. Στον τομέα των πολιτιστικών οργανισμών, ο Rizal Tanjung έχει διατελέσει Πρόεδρος του Teater Moeka Padang, Πρόεδρος του Ινστιτούτου Τέχνης Old Track, Πρόεδρος του Εκπαιδευτικού Ιδρύματος Sekapur Sirih και Πρόεδρος του Φόρουμ Παραδοσιακής Επικοινωνίας Μέσων (FK-METRA) στην Παντάνγκ. Υπήρξε επίσης μέλος του διοικητικού συμβουλίου του Συμβουλίου Τεχνών της Δυτικής Σουμάτρας και του Συμβουλίου Τεχνών της Παντάνγκ, και συμμετείχε ενεργά στο Lembaga Bumi Kebudayaan (Ινστιτούτο για τον Πολιτισμό της Γης). Η συμβολή του εκτείνεται πέρα από τη θεατρική σκηνή, σε ρόλους ως παρατηρητής, μέλος κριτικής επιτροπής, ομιλητής και επιμελητής για διάφορα κυβερνητικά ιδρύματα, όπως το Υπουργείο Τουρισμού, το Υπουργείο Παιδείας, το Υπουργείο Πολιτισμού, το Υπουργείο Επικοινωνίας και Πληροφόρησης, το Πολιτιστικό Πάρκο UPTD και πολλά πανεπιστήμια σε όλη τη Δυτική Σουμάτρα. Έχει επίσης διατελέσει επιμελητής στο Κέντρο Διατήρησης Πολιτιστικής Κληρονομιάς (BPK), υπογραμμίζοντας τη βαθιά του συμμετοχή στη διατήρηση και καλλιέργεια του τοπικού πολιτισμού. Η αφοσίωση και η συνέπεια του Rizal Tanjung τον έχουν καθιερώσει ως μία από τις κορυφαίες προσωπικότητες στο πολιτιστικό και καλλιτεχνικό τοπίο της Δυτικής Σουμάτρας, υποστηρίζοντας επίμονα τη συνέχεια της παράδοσης μέσω δημιουργικών έργων και πολιτιστικής σκέψης.