ΓΥΝΑΙΚΑ ΚΛΑΙΟΥΣΑ Ιδιότυπη κατασκευή Μικτής Τεχνικής της Μαρίας Κολοβού Ρουμελιώτη
Μια
Κριτική για το Έργο της Μαρίας Κολοβού Ρουμελιώτη: «Γυναίκα με Πληγωμένη
Καρδιά- Γυναίκα Κλαίουσα » Από: Rizal Tanjung
Στη γη της Ελλάδας, περικυκλωμένη από τα γαλάζια νερά του Αιγαίου, όπου οι σκιές της μυθολογίας αντηχούν ακόμα από τα ερείπια του Παρθενώνα μέχρι τα ηφαιστειακά πετρώματα της Σαντορίνης, γεννήθηκε ένα πρόσωπο θλίψης. Η «Γυναίκα με Πληγωμένη Καρδιά» της Μαρίας Κολοβού Ρουμελιώτη υψώνεται σαν ένα αρχαίο ανάγλυφο που έχει τραβηχτεί στη σύγχρονη εποχή. Δεν είναι απλώς ένας πίνακας, αλλά ένα σπασμένο σώμα κατασκευασμένο από τις ρωγμές των τοίχων - ένα οικοδόμημα μικτής τεχνικής που συγχωνεύεται με την πνοή της γης και του χρόνου. Εδώ, η τέχνη δεν μιλάει μόνο για τη μορφή, αλλά για τον πόνο που σκαλίζεται στην ύλη. Μια γυναίκα της οποίας το πρόσωπο καλύπτεται από τα ίδια της τα χέρια - φαινομενικά προσπαθώντας να συγκρατήσει το βάρος του κόσμου - γίνεται ένα παγκόσμιο έμβλημα εσωτερικής τραγωδίας. Μέσα στη σιωπή της υφής, φαίνεται να αντηχεί τον θρήνο της Μήδειας, τη μοναξιά της Αντιγόνης ή τη θλίψη της Ελένης μετά το σβήσιμο των φλογών της Τροίας. Ωστόσο, η Ρουμελιώτη δεν το αποδίδει στη γλώσσα της κλασικής καθαρότητας, αλλά σε μια σύγχρονη οπτική γλώσσα - όπου η τέχνη αναζητά τις βαθύτερες πληγές της ανθρωπότητας αντί για την αρμονία της αναλογίας.
Σε σύγκριση με τους κλασικούς Έλληνες δασκάλους, αυτό το έργο εγκαταλείπει τις αρχές της συμμετρίας και της αρμονίας που κάποτε ίσχυαν. Οι μαρμάρινες φιγούρες του Φειδία και του Πολύκλειτου επιδίωκαν την σωματική τελειότητα, λάτρευαν την ισορροπία και σεβόντουσαν την ομορφιά ως μονοπάτι προς το θείο. Η Ρουμελιώτη, ωστόσο, τιμά το κάταγμα, την πληγή και την ατέλεια. Στέκεται πιο κοντά στο σύγχρονο ρεύμα του εξπρεσιονισμού - παρόμοιο με τον Έντβαρντ Μουνκ, ο οποίος στην «Κραυγή» διέλυσε την ανθρώπινη κραυγή σε κύματα χρώματος. Ωστόσο, η Ρουμελιώτη δεν ουρλιάζει με χρωστική ουσία. ψιθυρίζει μέσα από την υφή: ένα σπασμένο πρόσωπο, ένα προστατευτικό χέρι, ένα εύθραυστο ανάγλυφο - σαν να έκλαιγε η ίδια η γη. Στα σημερινά καλλιτεχνικά ρεύματα, ειδικά μέσα στη μεταμοντέρνα έκφραση και τον νεοϋλισμό, το ίδιο το μέσο συχνά γίνεται το σώμα της ιδέας. Η υφή, οι ρωγμές, τα τραχιά θραύσματα - όλα γίνονται οπτική γλώσσα. Το έργο της Ρουμελιώτη ανήκει σε αυτήν την τροχιά, όπου το υλικό δεν είναι ένα δοχείο αλλά το ίδιο το νόημα. Μια ρωγμή δεν είναι τυχαίο αλλά μια λέξη. Τα γκρίζα θραύσματα είναι ποίηση.
Η αντίθεση με τους μεγάλους μοντερνιστές είναι εξίσου εντυπωσιακή. Ο Πικάσο ανέλυσε πρόσωπα μέσω του κυβισμού σε πνευματικά θραύσματα, αποδίδοντας τον κόσμο σε γεωμετρία. Η Ρουμελιώτη αναλύει τον κόσμο σε πληγές. Το έργο της αντηχεί περισσότερο με το έδαφος που ανακαλύφθηκε παρά με την υπολογισμένη μορφή. Στην τέχνη της ζει η ίδια η σύγχρονη Ελλάδα: ένα έθνος που κουβαλάει τόσο την αρχαία φιλοσοφία όσο και τα σημάδια της σύγχρονης κρίσης. Με τον Αλμπέρτο Τζιακομέτι, μπορεί κανείς να νιώσει μια συγγένεια: οι εύθραυστες, επιμήκεις φιγούρες του, που φαινομενικά έλκονται από το κενό, αντηχούν με το καλυμμένο και θαμμένο πρόσωπο του Ρουμελιώτη. Και οι δύο μιλούν για τον αποξενωμένο άνθρωπο του σύγχρονου αιώνα.
Η Μαρία Κολοβού Ρουμελιώτη δεν είναι απλώς μια ζωγράφος - είναι και μια ποιήτρια. Γι' αυτό κάθε πινελιά και τομή είναι σαν μια πετρωμένη στροφή. Γράφει με άμμο, με ρωγμές, με σιωπή. Ίσως ακούει ακόμα τον μακρινό ψίθυρο του Ομήρου, κι όμως απαντά με τη φωνή της σύγχρονης γυναίκας - της οποίας το σώμα κουβαλάει τις πληγές του έρωτα, της ιστορίας, του χρόνου. Στη «Σπασμένη Γυναίκα» φαίνεται να βαδίζει δίπλα στην παράδοση της σύγχρονης ελληνικής ποίησης. Αν στην εικαστική τέχνη χαράζει ρωγμές, τότε με λόγια ο Γιάννης Ρίτσος κάποτε χάραξε τις πληγές του ελληνικού λαού με τον ίδιο τρόπο: απλές, τραχιές, λιτές. Ο Ρίτσος έγραψε για τα σκασμένα χέρια των αγροτών, για τα γυναικεία σώματα που κουβαλούν τη θλίψη της ιστορίας. Η Ρουμελιώτη τα παρουσιάζει οπτικά - σε ένα πρόσωπο καλυμμένο με χέρια, σαν να περιέχει αμέτρητους θρήνους.
Εν τω μεταξύ, ο βραβευμένος με Νόμπελ Γιώργος Σεφέρης μιλούσε συχνά στην ποίησή του για την αποξένωση και μια πατρίδα γεμάτη πληγές. «Όπου κι αν πάω, η Ελλάδα με πληγώνει», έγραψε ο Σεφέρης. Και δεν μιλάει η ζωγραφική της Ρουμελιώτη για την ίδια αλήθεια; Ότι η αγάπη, η ιστορία και η πατρίδα χαράζουν ρωγμές στην ψυχή. Το έργο της είναι το πρόσωπο της ίδιας της Ελλάδας: όμορφη αλλά πληγωμένη, κλασική αλλά διασπασμένη από τη σύγχρονη τραγωδία.
Αν ο Ρίτσος σκάλισε τις λέξεις σαν τραχιά πέτρα, η Ρουμελιώτη σκαλίζει πληγές σε καμβά. Αν ο Σεφέρης περιπλανήθηκε μέσα από μεταφορές θάλασσας και στεριάς απογυμνωμένες από νόημα, η Ρουμελιώτη περιπλανιέται μέσα σε γκρίζες υφές που μοιάζουν με τους τοίχους ερειπωμένων ναών. Και οι τρεις τους, σε διαφορετικά μέσα, φαίνεται να εκφράζουν το ίδιο ρεφρέν: ο Έλληνας άνθρωπος που ζει για πάντα ανάμεσα στην ποίηση και την τραγωδία.
Έτσι, η «Σπασμένη Γυναίκα» μπορεί να διαβαστεί όχι μόνο ως εικαστική τέχνη, αλλά και ως σιωπηλή ποίηση που γεννήθηκε από μια μακρά παράδοση. Συνεχίζει την κλασική ελληνική γραμμή - από τις ιστορίες πολέμου και λαχτάρας του Ομήρου, μέχρι τα χρονικά του συλλογικού πόνου του Ρίτσου, μέχρι τους ύμνους της αποξένωσης του Σεφέρη - με αποκορύφωμα το σκαλιστό πορτρέτο μιας πληγωμένης γυναίκας στη σύγχρονη εποχή από τη Ρουμελιώτη. Αυτός ο πίνακας είναι ποίηση χωρίς γράμματα, ένα έπος που λέγεται με υφή. Η Ελλάδα μιλάει ξανά - όχι μέσα από θεούς, αλλά μέσα από το χέρι που καλύπτει το πρόσωπο μιας γυναίκας, το οποίο παραδόξως ανοίγει τα εσωτερικά μας μάτια.
Μέσα στο παγκόσμιο τοπίο της σύγχρονης τέχνης, υπάρχει μια ισχυρή κίνηση προς την υλικότητα - το ίδιο το μέσο ως γλώσσα. Από τον νεο-εξπρεσιονισμό έως τον μετα-μινιμαλισμό, οι καλλιτέχνες χειρίζονται ρωγμές, θραύσματα και ακατέργαστες υφές ως το ίδιο το νόημα. Το έργο της Ρουμελιώτη ανήκει εδώ: όχι απλώς απεικονίζει τη θλίψη, αλλά καλεί τη θλίψη να αναδυθεί μέσα από το υλικό - μέσα από σπασμένα ανάγλυφα και γκρεμιζόμενους τοίχους. Αν ο κλασικός ευρωπαϊκός εξπρεσιονισμός (Munch, Nolde, Ensor) εκτόξευε κραυγές μέσα από το χρώμα, η Ρουμελιώτη εκφράζει τη θλίψη μέσα από τη σιωπηλή υφή. Φαίνεται να λέει: οι ανθρώπινες πληγές μιλούν πιο δυνατά από τη χρωστική ουσία, πιο έντονα από τη γραμμή. Εδώ, είναι η ίδια η ρωγμή που μιλάει.
Η φύση, επίσης, είναι αχώριστη από την τέχνη της, όπως ήταν αχώριστη από την αρχαία ελληνική φιλοσοφία. Το Αιγαίο, οι βράχοι, τα ερείπια των ναών - όλα αντηχούν στις υφές αυτού του έργου. Το καλυμμένο πρόσωπο μοιάζει με βράχο χτυπημένο από κύματα. οι γκρίζες ρωγμές μοιάζουν με τοίχους ναών διαβρωμένους από τον χρόνο. Έτσι, ο πίνακας γίνεται το εσωτερικό τοπίο της Ελλάδας: ανάμεσα στην ιστορία και το συναίσθημα, την τραγωδία και τον έρωτα. Η «Συγκλονισμένη Γυναίκα» αποτελεί απόδειξη ότι η ελληνική τέχνη δεν έπαψε ποτέ να μιλάει. Από το κλασικό μάρμαρο μέχρι τον σπασμένο καμβά, από την τραγωδία του Σοφόκλειου μέχρι την ποίηση του Ρίτσου, από τους θεούς του Ολύμπου μέχρι το πρόσωπο μιας σύγχρονης γυναίκας—η Ελλάδα παραμένει η χώρα της ελεγείας. Η Ρουμελιώτη υφαίνει παρελθόν και παρόν· δεν είναι μόνο ζωγράφος αλλά και ποιήτρια που γράφει με πέτρα και σιωπή. Στο χώρο της σύγχρονης τέχνης, αυτό το έργο στέκεται ως γέφυρα μεταξύ ποίησης και εικόνας, μεταξύ φιλοσοφίας και υλικού. Είναι ένα «γκρίζο έπος»—μια οπτική τραγωδία που επιβεβαιώνει ότι η ομορφιά δεν βρίσκεται πλέον στην τελειότητα, αλλά στο ρήγμα που είναι προικισμένο με νόημα. Η «Συγκλονισμένη Γυναίκα» είναι επομένως ταυτόχρονα ελεγεία και χρησμός: ένα μνημείο που αναπνέει και μας λέει ότι η ομορφιά δεν είναι η απουσία πληγών, αλλά η αντοχή τους.
Δυτική Σουμάτρα, Ινδονησία, 2025.
Ο Rizal Tanjung είναι καλλιτέχνης και πολιτιστική προσωπικότητα που γεννήθηκε στην Παντάνγκ στις 5 Φεβρουαρίου 1959 και έχει αφιερώσει τη ζωή του στις τέχνες από το 1975. Συνέχισε τις σπουδές του στην Ινδονησιακή Σχολή Καλών Τεχνών (SSRI) στην Παντάνγκ και συνέχισε το καλλιτεχνικό του ταξίδι ιδρύοντας το Teater Moeka το 1979, το οποίο αργότερα μετατράπηκε σε Old Track Teater το 2004. Ως κεντρική προσωπικότητα στην ανάπτυξη των τεχνών στη Δυτική Σουμάτρα, έχει σκηνοθετήσει 63 θεατρικές παραγωγές σε διάφορες περιοχές της Ινδονησίας. Εκτός από το έργο του στο θέατρο, είναι ενεργός συγγραφέας, του οποίου τα έργα έχουν δημοσιευτεί τόσο σε τοπικά όσο και σε εθνικά έντυπα μέσα. Τα γραπτά του εκτείνονται σε θεατρικά έργα, διηγήματα, σειριοποιημένες ιστορίες, ποίηση, πολιτιστικά άρθρα και άρθρα για την ανάπτυξη παραδοσιακών, μοντέρνων και σύγχρονων τεχνών. Μεταξύ των αξιοσημείωτων έργων του είναι τα Sandiwara Sandiwara, Minus I, Melody, Kaco Batuang, Harimau Agam di Negeri Cina, The Maninjau Lake Origins Trilogy και Ruang Hampa. Στον τομέα των πολιτιστικών οργανισμών, ο Rizal Tanjung έχει διατελέσει Πρόεδρος του Teater Moeka Padang, Πρόεδρος του Ινστιτούτου Τέχνης Old Track, Πρόεδρος του Εκπαιδευτικού Ιδρύματος Sekapur Sirih και Πρόεδρος του Φόρουμ Παραδοσιακής Επικοινωνίας Μέσων (FK-METRA) στην Παντάνγκ. Υπήρξε επίσης μέλος του διοικητικού συμβουλίου του Συμβουλίου Τεχνών της Δυτικής Σουμάτρας και του Συμβουλίου Τεχνών της Παντάνγκ, και συμμετείχε ενεργά στο Lembaga Bumi Kebudayaan (Ινστιτούτο για τον Πολιτισμό της Γης). Η συμβολή του εκτείνεται πέρα από τη θεατρική σκηνή, σε ρόλους ως παρατηρητής, μέλος κριτικής επιτροπής, ομιλητής και επιμελητής για διάφορα κυβερνητικά ιδρύματα, όπως το Υπουργείο Τουρισμού, το Υπουργείο Παιδείας, το Υπουργείο Πολιτισμού, το Υπουργείο Επικοινωνίας και Πληροφόρησης, το Πολιτιστικό Πάρκο UPTD και πολλά πανεπιστήμια σε όλη τη Δυτική Σουμάτρα. Έχει επίσης διατελέσει επιμελητής στο Κέντρο Διατήρησης Πολιτιστικής Κληρονομιάς (BPK), υπογραμμίζοντας τη βαθιά του συμμετοχή στη διατήρηση και καλλιέργεια του τοπικού πολιτισμού. Η αφοσίωση και η συνέπεια του Rizal Tanjung τον έχουν καθιερώσει ως μία από τις κορυφαίες προσωπικότητες στο πολιτιστικό και καλλιτεχνικό τοπίο της Δυτικής Σουμάτρας, υποστηρίζοντας επίμονα τη συνέχεια της παράδοσης μέσω δημιουργικών έργων και πολιτιστικής σκέψης.
A Review of Maria Kolovou Roumelioti’s Work: “Heartbroken Woman”
By: Rizal Tanjung
In the land of Greece, encircled by the blue waters of the Aegean, where the shadows of mythology still echo from the ruins of the Parthenon to the volcanic rocks of Santorini, a face of sorrow was born. Maria Kolovou Roumelioti’s “Heartbroken Woman” rises like an ancient relief pulled into the modern age. It is not merely a painting, but a fractured body constructed from the cracks of walls—a mixed-media edifice fused with the breath of earth and time. Here, art does not speak only of form, but of suffering carved into matter. A woman whose face is veiled by her own hands—seemingly attempting to hold back the weight of the world—becomes a universal emblem of inner tragedy. Within the silence of texture, she seems to echo Medea’s lament, Antigone’s solitude, or Helen’s grief after the flames of Troy were extinguished. Yet Roumelioti renders it not in the language of classical purity, but in a contemporary visual tongue—where art seeks humanity’s deepest wounds rather than the harmony of proportion.
Compared to the classical Greek masters, this work abandons the principles of symmetry and harmony once held aloft. The marble figures of Phidias and Polykleitos pursued bodily perfection, worshipped balance, and revered beauty as a path to the divine. Roumelioti, however, celebrates fracture, wound, and imperfection. She stands closer to the modern current of expressionism—akin to Edvard Munch, who in The Scream dissolved the human cry into waves of color. Yet Roumelioti does not scream in pigment; she whispers through texture: a broken face, a shielding hand, a fragile relief—as though the earth itself were weeping. In today’s artistic currents, especially within postmodern expression and neo-materialism, the medium itself often becomes the body of the idea. Texture, cracks, rough fragments—all become visual language. Roumelioti’s work belongs to this orbit, where material is not a vessel but meaning itself. A fissure is not an accident but a word; the grey shards are poetry.
The contrast with great modernists is equally striking. Picasso dissected faces through cubism into intellectual fragments, rendering the world into geometry. Roumelioti dissects the world into wounds. Her work resonates more with the soil unearthed than with calculated form. In her art lives contemporary Greece itself: a nation carrying both ancient philosophy and the scars of modern crisis. With Alberto Giacometti, one may sense a kinship: his fragile, elongated figures, seemingly drawn by void, resonate with Roumelioti’s veiled and buried visage. Both speak of the alienated human being of the modern century.
Maria Kolovou Roumelioti is not merely a painter—she is also a poet. That is why each stroke and incision is like a petrified stanza. She writes with sand, with cracks, with silence. Perhaps she still hears Homer’s distant whisper, yet she responds in the voice of the modern woman—whose body carries the wounds of love, of history, of time. In “Heartbroken Woman” she seems to walk beside the tradition of modern Greek poetry. If in visual art she engraves cracks, then in words Yannis Ritsos once inscribed the wounds of the Greek people in the same way: simple, rough, unadorned. Ritsos wrote of farmers’ cracked hands, of women’s bodies carrying the sadness of history; Roumelioti presents them visually—in a face veiled by hands, as though containing countless laments.
Meanwhile, Nobel laureate Giorgos Seferis often spoke in his poetry of estrangement and a homeland full of wounds. “Wherever I go, Greece wounds me,” wrote Seferis. And does not Roumelioti’s painting speak of the same truth? That love, history, and homeland alike carve fissures upon the soul. Her work is the face of Greece itself: beautiful yet wounded, classical yet fractured by modern tragedy. If Ritsos carved words like rough stone, Roumelioti carves wounds into canvas. If Seferis wandered through metaphors of sea and land stripped of meaning, Roumelioti wanders through grey textures that resemble the walls of ruined temples. The three of them, in different media, seem to voice the same refrain: the Greek human forever living between poetry and tragedy.
Thus “Heartbroken Woman” may be read not only as visual art, but also as silent poetry born of a long tradition. It continues the classical Greek line—from Homer’s tales of war and longing, to Ritsos’s chronicles of collective pain, to Seferis’s hymns of alienation—culminating in Roumelioti’s carved portrait of a heartbroken woman in the modern age. This painting is poetry without letters, an epic told in texture. Greece speaks again—not through gods, but through the hand that covers a woman’s face, which paradoxically opens our inner eyes.
Within the global landscape of contemporary art, there is a powerful movement toward materiality—the medium itself as language. From neo-expressionism to post-minimalism, artists manipulate cracks, fragments, and raw textures as meaning itself. Roumelioti’s work belongs here: not merely depicting grief, but summoning grief to emerge through material—through fractured reliefs and crumbling walls. If classical European expressionism (Munch, Nolde, Ensor) hurled cries through color, Roumelioti voices sorrow through silent texture. She seems to say: human wounds speak louder than pigment, sharper than line. Here, it is the crack itself that speaks.
Nature, too, is inseparable from her art, just as it was inseparable from ancient Greek philosophy. The Aegean, the cliffs, the ruins of temples—all echo in the textures of this work. The veiled face resembles a rock battered by waves; the grey fissures resemble temple walls eroded by time. Thus, the painting becomes Greece’s inner landscape: between history and feeling, tragedy and love. “Heartbroken Woman” is a testament that Greek art has never ceased to speak. From classical marble to fractured canvas, from Sophoclean tragedy to Ritsos’s poetry, from the gods of Olympus to the face of a modern woman—Greece remains the land of elegy. Roumelioti weaves past and present; she is not only a painter but a poet writing with stone and silence.
In the realm of contemporary art, this work stands as a bridge between poetry and image, between philosophy and material. It is a “grey epos”—a visual tragedy affirming that beauty lies no longer in perfection, but in the fracture endowed with meaning. “Heartbroken Woman” is thus both elegy and oracle: a breathing monument that tells us beauty is not the absence of wounds, but the endurance of them.
West Sumatra, Indonesia, 2025.
Δεν υπάρχουν σχόλια:
Δημοσίευση σχολίου